Mozart

Requiem für Soli, Chor und Orchester d-moll, KV.626

(Réquiem para solistas, coro y orquesta en re menor)

   Está compuesto para cuatro cantantes solistas: soprano, contralto, tenor y bajo; coro; vientos: 2 cornos di bassetto, 2 fagotes, 2 trompetas y 3 trombones; dos timbales; cuerdas: violines primeros y segundos, violonchelos y contrabajos; y órgano.

   Está escrito en re menor, al igual que Don Giovanni, tocando temas similares. Ya en 1769 escribió una misa en esta misma tonalidad. Es la música negra de Amadeus, tiene también un toque arcaizante.

   Las razones por las que Mozart compuso esta obra no están claras. En los últimos meses de vida tenía un delicado estado de salud y como francmasón que era, estaba obsesionado con la muerte y lo sobrenatural. La idea más extendida es que recibió una visita de un personaje vestido de negro que le propuso la composición de una obra de Réquiem a cambio de una considerable cantidad de dinero, y el compositor, que cargaba con fuertes deudas, aceptó. Quedaron en verse un mes después, pero este segundo encuentro no se pudo celebrar al partir poco después Mozart hacia Praga para componer la Clemenza di Tito. En el momento de partir, el personaje se acercó al carruaje y le preguntó por la obra, que no estaba terminada.

   Este personaje era Franz Anton Leitgeb, enviado del conde Franz von Walsegg, músico aficionado cuya esposa había fallecido. Deseaba que Mozart compusiera la misa de réquiem para los funerales de su mujer, haciendo creer a los demás que la obra era suya, de ahí el anonimato.

   Es importante saber que esta obra parece que fue compuesta por Mozart hasta el compás 8 del Lacrymosa   y el resto por su discípulo Frank Xaver Sussmäyr, basándose en los bocetos del maestro. Aunque aparecen por ahí otros dos discípulos que son Joseph Eybler  y Maximiliam Stadler. Además, recordemos que una misa de réquiem es un oficio religioso de la iglesia romana dedicado a una persona fallecida.

   Parece ser que en una misa en memoria de Mozart celebrada el 10 de diciembre de 1791 (cinco días después de su fallecimiento) se interpretaron extractos, y que el estreno de la obra completa se produjo en Viena el 2 de enero de 1793, en un concierto en beneficio de Constanze Weber, su viuda. Se interpretó de nuevo el 14 de diciembre de 1793, durante la misa que conmemoraba la muerte de la esposa del conde  Walsegg y bajo la dirección del propio conde.

   La obra se distribuye en 14 movimientos de 8 secciones litúrgicas. El texto del Réquiem, original en latín, se atribuye al franciscano italiano Tomás de Celano y fue levemente modificado por Mozart.

   El Réquiem es una forma de celebración litúrgica de la misa católica que se realiza por un difunto y  en cuestiones musicales tiene sus propios cantos con temáticas propias. Con el paso del tiempo ocuparán su espacio en la música clásica. En el caso de Mozart la muerte ocupa un lugar muy importante, y le escribió así a su padre:

   «Nunca me voy a la cama sin pensar que, aunque soy joven, puedo no llegar a conocer la aurora. Durante los últimos años he trabajado por familiarizarme con la muerte, ya que es el verdadero fin y meta de nuestras vidas, así como la amiga más fiel y sincera de la humanidad, de suerte que no me horroriza, sino me produce tranquilidad y consuelo.»

   En la Introducción la partitura nos marca el carácter con el que ha de ser interpretado: adagio; esto es,  lento y majestuoso. La melodía entra a cargo de un fagot y un corno, preparándonos para ese ambiente al que nos adentramos, la melancolía. El ritmo que lo marcan las cuerdas es pesado, con pasos lentos y sombríos que nos acercan lentamente hasta que son violentamente sacudidos por los metales, las trompetas y los trombones. Los timbales y los violines, en notas agudas abren las puertas a esa plegaria que recita (Requiem aeternam dona eis, Domine). Comenzando la plegaria por parte del bajo, las voces restantes van entrando paulatinamente imitándose una a la otra de una manera muy peculiar. La melodía del bajo es imitada por la contralto (voces de hombre y de mujer); la melodía propuesta por el tenor es imitada por la soprano. Así empiezan las voces a jugar entrando en diferentes tiempos y sin coincidir en lo que dicen hasta que todas terminan en la palabra domine que quiere decir señor, y que es la parte más importante del texto para el autor. El ejercicio contrapuntístico en el que se desenvuelve es sumamente complicado hasta que la soprano rompe con el coral diciendo «Te decet hymnus, Deus, in Sion et tibi reddetur votum in Ierusalem.» 

   Después de la parte coral del «exaudi» retoma de nuevo el inicio del requiem, pero esta vez la contralto inicia una melodía muy rápida y complicada y así nos da un pequeño adelanto de lo que será el Kyrie, Señor ten piedad, movido e impetuoso. Después, la soprano imita la melodía en diferente altura, luego el tenor y al final el bajo. Esto será el fundamento de las demás voces, ya que el kyrie son reiteraciones melódicas con distintas alturas, eso que en contrapunto se llama fuga.

   El Dies irae arranca con un texto del día de la ira. Es una parte en la que Mozart desgaja la secuencia, actualmente en desuso en la liturgia. La violencia de esta parte hace que se pueda palpar el terror. La descripción instrumental se puede resumir en una ola de violencia descomunal, que no sabe moverse con rapidez de principio a fin. Mozart sabía que era capaz de hacer una de las composiciones más cercanas a la perfección de la historia sin dejar de hacer notar la importancia del texto; es decir, es muy probable que a la mayoría de los que están viendo esto les haya parecido una pieza espectacular sin saber siquiera qué decía. Las voces del tenor y bajo se encuentran durante toda la pieza en sus registros más altos, produciendo un efecto de viento. Tras repetir la entrada, los bajos se quedan solos con un efecto en la voz que pareciera que les tiembla al hablar, subiendo y bajando en semitonos. Mozart les pide que vibren su voz entre dos notas cercanas para simular una vibración de temor cuando dice «quantus tremor est futurus» a lo que el resto les responden con «dies irae, dies illa» con cambios bruscos de volumen que inspiran angustia. Finalmente, todos juntos emulan el efecto de los bajos, haciendo temblar todas las voces simultáneamente, sintiéndose aterradas y desesperadas de manera que parecieran  gritar su terror. Al final, la orquesta es obligada a callar, como si alguien cerrara la puerta al viento.

   El inicio del Tuba mirum es espectacular. Habla de aquella trompeta que abre el juicio final y reúne a todos ante el trono de Dios. Inicia con una melodía pausada del trombón como una llamada a la libertad, y después de que entre el bajo, el sonido del trombón hace una melodía sin pausas, muy corrida, como esparciendo su sonido que dice el texto. A continuación, el tenor, con gran fuerza, rompe la solemnidad de lo anterior, y crea la angustia, agregándose las cuerdas, los violines, creando un ambiente de suspense, la muerte y la naturaleza se asombrarán cuando resucite la criatura para que responda ante su juez. Aparecerá el libro escrito en el que se contiene todo y con el que se juzgará al mundo. Luego, la contralto, con el mismo dolor que el tenor sigue la descripción de aquel día, y con notas muy agudas de su melodía, cual pregunta, dice: «¿Qué podré decir yo, desdichado?»

   El Rex tremedae es infinitamente grandioso. Está pensado como la entrada a una corte real, es una marcha solemne y majestuosa. La indicación en la partitura para las voces es de tutti y forte para todo el coro. Comienza todo en acordes; las sopranos en una de las notas más agudas que pueden cantar confirman que dicha entrada es de un rey, pues lo repiten tres veces. Luego, los timbales apoyan el despliegue de la frase completa con su rugido, hacen sentir la frase acompañada de truenos: Rey de tremenda majestad. Ahora llega ese juego de voces en el que un hombre imita a otro y una mujer a otra, resultando más evidente si se atienden las voces del tenor y el bajo. Después, la tempestad se apaga, los volúmenes bajan y el ambiente se vuelve piadoso con una plegaria: «¡sálvame, fuente de piedad!». Primero las mujeres «sálvame», luego los hombres «sálvame», y al final todos juntos como al oído «sálvame, fuente de piedad».

   El Recordare es un espacio contrapuntístico delicioso, ejecutado por las voces solistas: soprano, contralto, barítono y tenor, acompañados de la orquesta. Los solistas imploran en orden, el perdón de Dios, a veces solos, a veces en duetos, y en texturas escalonadas de los diferentes cantores, apelando como último recurso a la misericordia del Señor: recordare Iesu pie, supplicanti parce, Deus. En el Confutatis los violines entran con un aire bélico, con un constante sube y baja, como el golpear de martillos a intervalos regulares de tiempo. Las voces masculinas se hacen cargo de esa parte aterradora: tras confundir a los malditos, arrojados a las llamas voraces; luego se rompe el giro violento de los instrumentos dejando solamente a los violines y a las voces blancas la parte dulce del texto: hazme llamar entre los benditos, haciendo contrastar dichas partes por medio de varios elementos. En la sección masculina se indica  que se haga fuerte el volumen; suenan los violines, chelos, violas, trompetas, trombones, cornos, etcétera, pero en la parte de las mujeres solo quedan ellas con su dulce voz , indicando en la partitura sotto voce (a media voz). Después de repetir esta parte, y tras unos violines que suenan a corazón temeroso,  se entra muy bajito en la última parte de la frase humilde y respetuosa, cayendo poco a poco el ritmo, hasta culminar en la palabra finis. 

   Mozart compuso hasta el octavo compás del Lacrimosa. Las voces  se vuelven un sollozo con un par de intervalos graves y agudos que se escuchan cuando alguien llora inconsolable.

   Esta pieza es significativa ya que es el último suspiro de un genio acechado por la muerte. Es, sin duda, una de las páginas más dolorosas que se pueda escuchar. Desde el comienzo tanto auditiva como gráficamente, los instrumentos parecen gotas de agua, unas grandes, otras pequeñas: «día de lágrimas será aquel renombrado». En la siguiente frase se oye el caer de las lágrimas y subiendo poco a poco la altura y el volumen en las voces, haciendo resurgir la fuerza de la música como nos lo indica el texto «para ser juzgado el hombre culpable». En la repetición se oye los graves de la cuerda marcar el paso. Cada vez que se menciona la palabra reus entran los timbales señalando con su fuerza como si juzgaran con un rugido al culpable y con su sonido prestan temor. Aquí termina la parte de Mozart del Requiem. A continuación hay una subida de notas que es como la luz que hay después de la muerte en la tierra (Mozart creía en la muerte como objetivo de la vida y que justamente después reencarnaba). La secuencia termina con el dales el descanso y con el amén largo y fuerte, sin ostentaciones ni giros ni nada, sobrio pero solemne a manera de cierre definitivo de la serie de piezas que componen la secuencia. También pareciera cerrar definitivamente el grandioso trabajo de un genio. 

   El Requiem es un Frankenstein, seguramente acabado por Sussmäyr. Pero hay varios peros. Por un lado, no se descarta la intervención de otros autores. Lo que sí parece seguro es que Mozart había dejado partes escritas de las piezas finales y detalles escritos. Pero seguramente el mayor pero que encontramos es que nunca se ha pintado tan bien en una sola obra el lamento, la ira y el miedo como en el Requiem de Mozart.

   A partir del Domine Iesu se empieza a utilizar más la fuga. Ya estamos fuera del dolor. Ya ha pasado la muerte. Ahora la música no es de dolor sino de lucha, más agitada. Parece que se exige: «libera a las almas de todos los fieles». Esta pieza se divide en varias partes. Se dice algo y se responde hasta convertirlo en una fuga. En un momento dado, la fuga se presenta como si fueran las almas rescatadas por San Miguel.